TEKENEN NAAR LEVEND MODEL IN VINKENVEEN

TEKENEN NAAR LEVEND MODEL 

Vaardigheden ontwikkelen waar elke tekenaar iets aan heeft

Geschikt voor elke tekenaar die zichzelf kan redden

Model Henriëtte trekt een petticoat aan bij Atelier de Kromme Mijdrecht 

VINKEVEEN - Al meer dan dertig jaar bestaat bij Atelier de Kromme Mijdrecht de mogelijkheid om op dinsdagavonden naar levend naaktmodel te tekenen of te schilderen. Voor zowel beginnende als professionele kunstenaars is dit een waardevolle bezigheid om vaardigheden te ontwikkelen die moeilijk op dezelfde manier uit foto’s of verbeelding zijn te leren. Het menselijk lichaam is complex en voortdurend in subtiele beweging of onder een andere waarnemingshoek of belichting geplaatst, waardoor het een leerzame oefening vormt. Professionele kunstenaars gebruiken de schetsen, die ze op dinsdagavond maken, vaak als inspiratiebron voor een in het atelier te maken kunstwerk.

 

Inzicht, waarneming en concentratie

 

Door een model te observeren, leer je hoe spieren, botten en gewrichten samen de vorm van een lichaam bepalen. Een driedimensionaal model laat zien hoe licht op een lichaam valt en hoe schaduw de vorm bepaalt. Korte poses, die bij het AKM ook worden toegepast, helpen om de essentie van een houding en de dynamiek van een lichaam snel vast te leggen. Dat levert vlotte schetsen op. 

Ook je ruimtelijke inzicht wordt geoefend. Doordat je om een model heen kunt kijken en het in een echte ruimte ziet, ontwikkel je een beter gevoel voor perspectief en volume, dit in tegenstelling tot tekenen naar een foto die al plat is van nature. Het modeltekenen verhoogt je concentratievermogen. Een tekensessie vraagt om langdurige aandacht en het maken van keuzes onder tijdsdruk. Dat scherpt zowel de technische vaardigheid als de besluitvaardigheid.

 

Lange traditie

 

Het tekenen naar naaktmodel kent een lange traditie. In de prehistorische grottekeningen  van Lascaux en in de Romeinse en Griekse cultuur werd het al beoefend. Iedereen kent ook wel de klassieke werken van kunstenaars als Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Caravaggio, Dürer, Rembrandt en Rubens en de vlotte schetsen van beeldhouwer Rodin. Het naakt kwam ook in Bijbelse voorstellingen veel voor. 

In de zestiger jaren verkocht Aat Veldhoen vanaf zijn bakfiets zijn beroemde rotaprints met tekeningen van naakten. Het naakt wordt doorgaans niet benaderd vanuit een erotische invalshoek, maar als object om vorm, anatomie, licht, compositie en menselijke expressie te onderzoeken en weer te geven.  De kunstenaars richten zich volledig op de visuele en technische aspecten van de tekening of het schilderij. Kortom, tekenen naar levend naaktmodel combineert observatie, techniek en artistieke interpretatie op een manier die beginners een sterkte basis geeft en voor ervaren kunstenaars een blijvende uitdaging, ontwikkeling en bron van inspiratie inhoudt.

 

Lage kosten

 

In verenigingsverband modeltekenen maakt dat de kosten per avond voor een deelnemer goed zijn op te brengen. Privé een naaktmodel regelen is niet zo eenvoudig of vormt een aanzienlijke kostenpost. Frank de Leeuw boekt al zo’n twintig jaar de modellen, zowel mannelijke als vrouwelijke, voor Atelier de Kromme Mijdrecht en hij begeleidt de tekenavonden. Hij geeft geen les, maar instrueert de modellen. Als je belangstelling hebt om je in te schrijven voor het modelteken, kan dat via de website www.atelierdekrommemijdrecht.nl. 

De eerste sessie van een serie van tien avonden is op 1 september. Je kunt je daarvoor als cursist aanmelden. Je kunt je ook inschrijven voor drie series van tien tekenavonden, dan ben je officieel lid van de vereniging, wat nog voordeliger is. Alle informatie daarover vind je ook op de website. Daar kun je je overigens ook oriënteren over het totale cursusprogramma van de kunstenaarsvereniging. Het AKM heeft haar atelier in sociaal cultureel centrum De Boei in Vinkeveen.

 

Je kunt de wind niet veranderen maar je kunt wel je zeilen bijstellen

Ben jij een kunstenaar die wel eens het gevoel heeft dat alles tegenwerkt?

En weet je zeker dat je zeiltechniek geen rol speelt? 

Voor kunstenaars die soms het gevoel hebben dat de kunstwereld tegenwerkt, dat verkoop veel te traag gaat of dat hun zichtbaarheid teveel uitblijft: wat als het probleem niet de wind is, maar de manier waarop je zeilt? Dit inzicht verandert niet alleen je kunstenaarspraktijk, maar ook je positie in de markt.

In het kort:

• Kunstenaars die vasthouden aan één manier van werken of promoten lopen vaak vast in zichtbaarheid en verkoop, terwijl het aanpassen van strategieën, net als het bijstellen van zeilen op veranderende wind, direct invloed heeft op bereik en inkomen. Deze verschuiving vraagt om bewustwording van marktmechanismen, publieksgedrag en eigen positionering binnen een steeds veranderend kunstlandschap waarin flexibiliteit belangrijker is dan ooit. 

• Veel creatieve makers onderschatten hoe sterk externe factoren zoals algoritmes, trends, galeriebeleid en online zichtbaarheid hun succes bepalen, waardoor ze zich soms machteloos voelen. Juist door kleine strategische aanpassingen kunnen ze weer grip krijgen op hun artistieke carrière en commerciële kansen vergroten zonder hun authenticiteit te verliezen. 

• Door te leren denken als een navigator in plaats van een vaste route te volgen, ontdekken kunstenaars dat marketing, storytelling en presentatie geen soort van verraad zijn aan hun kunst, maar juist instrumenten die helpen om hun werk verder te brengen, zelfs in onvoorspelbare marktomstandigheden of wisselende publieksinteresse.

Het zeil als metafoor voor de kunstenaar

In de kunstwereld verandert de wind voortdurend. Trends verschuiven, digitale platforms komen en gaan in hoog tempo. En wat vandaag zichtbaar is kan morgen alweer verdwenen zijn in de wilde stroom aan content. Voor veel kunstenaars voelt dit grillig en soms frustrerend. Toch ligt precies daarin een krachtig inzicht: Je kunt de wind niet controleren, maar je kunt wel bepalen hoe je erop reageert.

Wie vasthoudt aan één vaste strategie, loopt het risico stil te vallen. 

Wie leert bijstellen, blijft bewegen.

Zomaar een fictief verhaal van een kunstenaar die vastliep

Johanna was een beeldend kunstenaar die jarenlang werkte in haar atelier aan de rand van de stad. Haar werk was sterk, emotioneel en technisch goed uitgewerkt. Toch bleef de verkoop achter. Galerieën reageerden nauwelijks en online leek haar werk te verdwijnen in een eindeloze stroom van beelden.

Op een dag kreeg ze een uitnodiging voor een kleine groepstentoonstelling aan zee. Daar ontmoette ze een duidelijk doorgewinterde kunstenaar die haar vroeg: “Wat doe jij als de wind draait?”

Johanna antwoordde: “Dan wacht ik tot hij terugdraait.”

De kunstenaar lachte zacht. “Dan vaar je nooit ergens naartoe.”

Die avond liep Johanna over het strand waar de zon in zee zakte. Ze dacht aan haar werk, haar moeite, haar teleurstelling. En ze besloot iets te veranderen. Niet haar kunst, maar haar manier om die kunst aan de wereld te tonen. Ze begon verhalen schrijven en te delen over haar werk en de achtergronden ervan, liet procesbeelden zien en stapte in gesprekken met haar publiek in plaats van alleen maar iets te posten.

Binnen enkele maanden begon er iets te verschuiven. Niet omdat haar werk anders werd, maar omdat haar zichtbaarheid veranderde.

De verborgen kracht van bijsturen

Wat Johanna ontdekte, geldt voor veel kunstenaars. Succes hangt niet alleen af van kwaliteit, maar ook van context, presentatie en timing. Kleine aanpassingen kunnen grote gevolgen hebben: Een andere manier van fotograferen, een beter en vooral inhoudelijker verhaal bij een werk of een nieuw platform waar je publiek zich op dit moment bevindt.  Het is geen kwestie van harder werken, maar slimmer navigeren.

Kunst als dynamisch systeem

Kunst bestaat niet in een vacuüm. Het beweegt mee met economie, cultuur en technologie. Wie dat begrijpt, ziet marketing niet als iets externs, maar als onderdeel van het creatieve proces.

De kunstenaar wordt dan niet alleen maker, maar ook navigator. Kortom, wil jij als kunstenaar begrijpen hoe je jouw werk beter zichtbaar maakt, verkoopt en positioneert zonder je creatieve identiteit te verliezen? Ontdek hoe strategisch denken jouw kunstpraktijk kan versterken en je onafhankelijker maakt in een veranderende markt.

 

Wanneer wordt een abstract schilderij echt kunst?

Een vraag die iedere kunstenaar zichzelf zou moeten stellen

En daar ook voor zichzelf het antwoord op moet weten

Iedereen heeft het weleens gehoord. "Dat kan een kind ook." Of: "Het is toch alleen maar wat verf op een doek?" Vooral abstracte kunst roept dit soort reacties nog wel eens reacties op. Maar wanneer is een verzameling verfstreken meer dan zomaar verf? Wanneer spreken we van een abstract schilderij? En wanneer noemen we dat schilderij dan kunst? Het antwoord is minder eenvoudig dan je misschien denkt.

In het kort

• Een abstract schilderij wordt niet automatisch kunst omdat er verf op een doek zit. Materialen alleen zijn niet genoeg. Idee, samenhang, keuzes en betekenis spelen een belangrijke rol in hoe een kunstwerk wordt ervaren.

• Wat als kunst wordt gezien, hangt deels af van afspraken binnen de kunstwereld. Musea, kunstenaars, verzamelaars en kunsthistorici hebben invloed, maar uiteindelijk beslist iedere kijker ook zelf wat een kunstwerk met hem of haar doet.

• Voor kunstenaars is het daarom belangrijk om niet alleen aandacht te besteden aan techniek, maar ook aan intentie, beeldtaal en de keuzes achter het werk. Juist die maken het verschil tussen toeval en een overtuigend kunstwerk.

Meer dan verf op een doek

Een abstract schilderij bestaat vaak uit kleuren, lijnen, vormen en structuren. Wie snel kijkt, ziet misschien alleen een verzameling verf dat op het eerste gezicht snel op een doek is "Neergekwakt." Toch ziet de kunstenaar er meestal veel meer in.

Iedere kleur is bewust gekozen.

Iedere vorm heeft niet zomaar een plaats gekregen.

Iedere penseelstreek is onderdeel van een groter geheel.

Dat betekent niet dat iedere keuze vooraf precies is bedacht. Veel abstracte kunstenaars werken juist intuïtief. Maar ook intuïtie is een vorm van steeds maar kiezen. Tijdens het schilderen wordt steeds opnieuw besloten wat er blijft en wat verdwijnt. Daardoor ontstaat langzaam een beeld dat meer is dan een verzameling losse verfstreken.

Wanneer is iets een kunstwerk?

Dat is een vraag waar al heel eeuwenlang over wordt nagedacht. Zonder veel succes.

Er bestaat namelijk geen regel die zegt wanneer iets kunst is.

Is een schilderij kunst omdat het er mooi uitziet?

Omdat het technisch knap gemaakt is?

Omdat het emoties oproept bij de kijker?

Of omdat een museum het tentoonstelt?

Waarschijnlijk is het antwoord een combinatie van al deze dingen.

Een kunstwerk ontstaat vaak doordat verschillende elementen samenkomen: vakmanschap, creativiteit, persoonlijke keuzes, een idee en een vorm die mensen aan het denken of voelen zet.

De rol van de kunstwereld

Toch speelt ook de kunstwereld een belangrijke rol.

Galerieën, musea, kunstopleidingen, verzamelaars en kunsthistorici bepalen voor een deel welke kunstenaars aandacht krijgen en welke werken worden bewaard.

Je zou kunnen zeggen dat er binnen de kunstwereld bepaalde afspraken bestaan over wat als kunst wordt gezien.

Maar die afspraken veranderen voortdurend.

Kunstenaars die vroeger werden afgewezen, worden nu soms als grote vernieuwers beschouwd. Andersom zijn er ook kunstenaars die ooit beroemd waren en later bijna vergeten zijn. Dat laat zien dat kunst nooit helemaal vastligt.

Een verhaal uit het atelier

Bas werkte aan een serie abstracte schilderijen. Hij experimenteerde met dikke lagen verf, krassen en grote kleurvlakken. Tijdens een open atelier kwam een bezoeker binnen.

Die keek enkele seconden naar een doek en zei lachend:

"Mijn kleindochter van zes maakt ook zulke schilderijen."

Bas voelde zich even geraakt.

Later die middag kwam een andere bezoeker binnen. Zij bleef juist lang voor hetzelfde schilderij staan.

"Wat bijzonder," zei ze. "Ik zie hier een strijd tussen rust en beweging. Dat raakt me."

Bas keek verbaasd. Hij had precies met dat spanningsgevoel gewerkt.

Na afloop sprak hij met een oudere kunstenaar over de twee totaal verschillende reacties.

"Welke van die twee heeft er nu gelijk?" vroeg hij.

De oudere kunstenaar glimlachte.

"Misschien allebei wel. De één zag alleen de verf. De ander keek verder en ging op zoek naar wat het werk vertelde."

Vanaf dat moment begreep Bas dat een kunstwerk niet alleen bestaat uit wat erop te zien is, maar ook uit de ontmoeting tussen maker en kijker.

Het verschil tussen toeval en keuzes

Stel dat iemand inderdaad willekeurig verf op een doek gooit.

Kan dat kunst zijn?

Misschien.

Maar dan ontstaat meteen een volgende vraag.

Waarom gebeurde dat?

Welke gedachte zat erachter?

Welke keuzes zijn daarna gemaakt?

Een kunstenaar maakt voortdurend beslissingen. Soms heel bewust, soms bijna automatisch.

Er wordt gekeken naar kleur, ritme, balans, spanning, contrast, licht, textuur en compositie.

Juist die reeks keuzes geeft een kunstwerk vaak zijn eigen karakter.

Dat betekent niet dat iedere kijker al die keuzes direct ziet. Maar ze zijn er meestal wel.

Betekenis ontstaat op verschillende manieren

Niet ieder abstract schilderij vertelt een duidelijk verhaal.

Sommige kunstenaars willen vooral een gevoel oproepen.

Anderen onderzoeken kleur, vorm of materiaal.

Weer anderen reageren op maatschappelijke gebeurtenissen of persoonlijke ervaringen.

Daardoor kan hetzelfde schilderij voor verschillende mensen een andere betekenis hebben.

Dat is geen zwakte van abstracte kunst.

Juist die openheid maakt dat kijkers hun eigen ervaringen kunnen meenemen.

Kunst is ook een ontmoeting

Een kunstwerk is pas echt compleet wanneer iemand ernaar kijkt.

De kunstenaar brengt ideeën, gevoel en vakmanschap mee.

De kijker brengt herinneringen, smaak, kennis en emoties mee.

Tijdens die ontmoeting ontstaat de beleving van het kunstwerk.

Soms herkennen kunstenaar en kijker elkaar direct.

Soms begrijpen ze elkaar helemaal niet.

En soms ontdekt de kijker iets waar de kunstenaar zelf nog niet aan had gedacht.

Dat maakt kunst levendig.

Blijf jezelf deze vragen stellen

Voor jou als kunstenaar is het daarom zinvol om regelmatig stil te staan bij je eigen werk.

Waarom heb ik deze keuzes gemaakt?

Wat wil ik onderzoeken?

Welke gevoelens of gedachten wil ik oproepen?

En misschien nog wel de belangrijkste vraag:  Is dit schilderij alleen een verzameling verfstreken, of vormen al mijn keuzes samen een overtuigend geheel?

Dat zijn geen vragen waarop maar één juist antwoord bestaat.

Wel helpen ze je om steeds bewuster te werken en je eigen beeldtaal verder te ontwikkelen.

Kunst is meer dan een afspraak

Misschien is kunst inderdaad voor een deel een onderlinge afspraak. De kunstwereld bepaalt mede welke werken worden verzameld, besproken en tentoongesteld. Maar daarmee is niet alles gezegd.

Kunst leeft uiteindelijk niet alleen in musea of galerieën. Zij leeft ook in de ontmoeting tussen een kunstwerk en een kijker.

Een abstract schilderij wordt daarom niet bijzonder doordat er toevallig verf op een doek zit. Het krijgt waarde doordat een kunstenaar bewuste keuzes maakt, een eigen visie ontwikkelt en iets weet op te roepen dat mensen laat kijken, voelen of nadenken.

Misschien is dat wel de mooiste omschrijving van kunst. Niet een vaste afspraak waar iedereen zich aan houdt, maar een voortdurende uitnodiging om anders te kijken. En juist daardoor blijft kunst zich steeds opnieuw ontwikkelen.

Wil je meer leren over abstracte kunst, beeldtaal, compositie, betekenis en de manier waarop kunst wordt ervaren? Lees dan veel artikelen over kunstenaarschap, kunstgeschiedenis en artistieke ontwikkeling. Hoe beter je begrijpt waarom een kunstwerk werkt, hoe bewuster je jouw eigen stijl en beeldtaal kunt ontwikkelen.

 

 

Stadskunst in de stad Groningen

Ontdek waarom De Ploeg nog altijd kunstenaars inspireert

Meer dan een kunstenaarsvereniging uit Groningen

Belangrijkste vernieuwers van de Nederlandse moderne kunst

De Ploeg was veel meer dan een kunstenaarsvereniging uit Groningen. De groep groeide uit tot een van de belangrijkste vernieuwers van de Nederlandse moderne kunst. In dit artikel lees je hoe de kunstenaars samenwerkten, welke idealen hen dreven en waarom hun kleurrijke en expressieve schilderkunst nog altijd actueel is. Je ontdekt welke lessen hedendaagse kunstenaars kunnen leren over artistieke ontwikkeling, samenwerking, herkenbare profilering en zichtbaarheid. Daarnaast maakt een inspirerend fictief verhaal duidelijk hoe samenwerking creativiteit kan versterken en hoe een gezamenlijke visie kan bijdragen aan duurzaam artistiek succes.

Lees het gehele artikel op:  https://beeldende-kunst.blogspot.com/2026/07/de-ploeg.html

kunstenaars die fouten durven maken

Waarom kunstenaars die fouten durven maken vaak verder komen dan perfectionisten

Ben jij een kunstenaar die soms twijfelt of een idee wel goed genoeg is om te laten zien? 

Dan kan juist die twijfel je grootste rem zijn.

Ontdek waarom creatieve groei, zichtbaarheid en zelfs de verkoop van kunst vaak beginnen op het moment dat je bereid bent om imperfect te zijn. Wat als juist die onhandige schets, dat vreemde experiment of dat mislukte werk de sleutel blijkt tot jouw volgende doorbraak?

AI-afbeelding ter illustratie

In het kort:

• Echte creativiteit ontstaat vaak wanneer kunstenaars hun angst voor fouten loslaten en bereid zijn om nieuwe wegen te verkennen, ook als anderen hun werk amateuristisch, vreemd of onbegrijpelijk vinden tijdens het proces.

• Kunstenaars die durven experimenteren bouwen sneller ervaring, ontwikkelen een herkenbare stijl en creëren meer kansen op groei, omdat zij leren van hun fouten in plaats van ze koste wat kost te vermijden.

• De geschiedenis van de kunst laat zien dat vernieuwing vrijwel altijd begint met mensen die bereid zijn risico's te nemen, kritiek te ontvangen en hun nieuwsgierigheid belangrijker te vinden dan hun behoefte aan goedkeuring.

De kracht van creatieve moed

Veel kunstenaars denken dat succes voortkomt uit perfectie. Zij wachten met het tonen van hun werk totdat alles klopt. Elke lijn moet goed zijn, elke kleur moet precies passen en elk kunstwerk moet een overtuigende indruk maken. Toch blijkt in de praktijk vaak het tegenovergestelde waar.

Echte liefhebbers van kunst zijn meestal niet bang om fouten te maken. Zij begrijpen dat fouten geen bewijs zijn van onkunde, maar onderdeel vormen van het leerproces. Juist door te experimenteren ontstaan nieuwe inzichten, onverwachte ontdekkingen en originele ideeën.

Wanneer een kunstenaar zich voortdurend afvraagt wat anderen van zijn of haar werk zullen denken, ontstaat er vaak een vorm van creatieve verlamming. Het verlangen naar goedkeuring wordt dan belangrijker dan het verlangen om iets nieuws te ontdekken.

Waarom fouten onmisbaar zijn

Elke kunstenaar ontwikkelt zich door ervaring. En ervaring ontstaat niet alleen door successen, maar vooral door mislukkingen. Een schilder die honderd schilderijen maakt, leert doorgaans meer dan iemand die jarenlang werkt aan één zogenaamd perfect meesterwerk.

Fouten laten zien waar grenzen liggen. Ze maken duidelijk welke technieken werken en welke niet. Bovendien zorgen ze ervoor dat kunstenaars hun eigen voorkeuren beter leren kennen.

Veel bekende kunstenaars hebben periodes gekend waarin hun werk werd afgewezen, bespot of simpelweg niet werd begrepen. Toch gingen zij door. Niet omdat zij zeker wisten dat ze succesvol zouden worden, maar omdat het maken van kunst voor hen belangrijker was dan de mening van anderen.

Een verhaal over kunstenaar David

David was een beginnende kunstenaar die droomde van exposities en erkenning. Hij werkte wekenlang aan elk schilderij. Soms besteedde hij meer tijd aan twijfelen dan aan schilderen.

Wanneer vrienden zijn atelier bezochten, draaide hij onafgemaakte werken om. Niemand mocht zijn experimenten zien. Hij was bang dat mensen hem amateuristisch zouden vinden.

Op een dag besloot hij iets anders te doen. Hij kocht een stapel goedkope doeken en gaf zichzelf de opdracht om in één maand dertig schilderijen te maken. Niet perfect. Gewoon maken.

De eerste werken waren rommelig. Sommige schilderijen vond hij zelfs lelijk. Toch merkte hij dat hij steeds vrijer ging werken. Nieuwe kleuren verschenen vanzelf op het doek. Hij ontdekte technieken die hij anders nooit had geprobeerd.

Aan het einde van de maand hing hij alle werken naast elkaar. Tot zijn verbazing bleken juist de meest spontane schilderijen de meeste reacties op te roepen. Bezoekers vonden ze energiek, persoonlijk en authentiek.

David leerde een belangrijke les: zijn grootste groei begon op het moment dat hij stopte met het vermijden van fouten.

Wat kunstenaars hiervan kunnen leren

Veel kunstenaars onderschatten hoeveel waarde er schuilt in een creatieve poging. Zelfs een mislukte schets bevat informatie. Zelfs een slecht schilderij leert iets over compositie, kleur of techniek.

Daarnaast waarderen veel kunstliefhebbers authenticiteit meer dan perfectie. Mensen voelen vaak wanneer een werk vanuit oprechte nieuwsgierigheid en betrokkenheid is ontstaan.

Dat betekent niet dat kwaliteit onbelangrijk is. Het betekent wel dat kwaliteit meestal ontstaat ná veel experimenteren en niet vóór het experiment.

Wie bereid is om er soms vreemd uit te zien, risico's te nemen en nieuwe dingen te proberen, vergroot de kans op persoonlijke ontwikkeling. De kunstenaar die blijft leren, blijft groeien.

De relatie met promotie en verkoop

Opvallend genoeg geldt hetzelfde principe voor marketing en promotie. Veel kunstenaars wachten met zichtbaar worden totdat hun website perfect is, hun portfolio compleet is of hun verhaal helemaal klopt.

Daardoor missen zij vaak kansen om publiek op te bouwen. Net zoals een schilderij groeit door oefening, groeit ook zichtbaarheid door ervaring.

Een kunstenaar die regelmatig werk deelt, verhalen vertelt en contact zoekt met geïnteresseerden, leert wat aanslaat en wat niet. Die kennis is uiteindelijk veel waardevoller dan eindeloos wachten op het perfecte moment.

Succesvolle promotie ontstaat meestal niet uit perfectie, maar uit consistentie, authenticiteit en de bereidheid om onderweg te leren.

Samenvattend

Wil je als kunstenaar niet alleen beter leren creëren, maar ook begrijpen waarom sommige kunstenaars meer aandacht, waardering en verkopen realiseren? Verdiep je dan in de achterliggende principes van marketing, positionering en publieksopbouw. Hoe beter je begrijpt hoe mensen kijken, kiezen en kopen, hoe groter de kans dat jouw kunst de waardering krijgt die zij verdient.

 

autodidactische kunstenaars groeien snel

Waarom autodidactische kunstenaars vaak sneller groeien dan je denkt

Is de kunstacademie echt nodig voor succes?

Kun je met doorzetten en veel experimenteren ook ver komen?

Moet je een kunstacademie hebben gevolgd om een succesvolle kunstenaar te worden? Veel kunstenaars denken van wel. Toch laat de praktijk vaak iets anders zien. Overal zijn autodidactische kunstenaars actief die zichzelf voortdurend verder ontwikkelen, experimenteren met nieuwe technieken en hun ervaringen delen met anderen. Ontdek waarom nieuwsgierigheid, leervermogen en zichtbaarheid soms belangrijker zijn dan een diploma als het gaat om artistieke groei, promotie en de verkoop van kunst.

Autodidact kunstenaar

In het kort:

• Autodidactische kunstenaars beschikken vaak over een sterke intrinsieke motivatie om nieuwe kennis op te doen, waardoor zij voortdurend aan het experimenteren zijn, leren en hun artistieke mogelijkheden uitbreiden zonder afhankelijk te zijn van een formele opleiding.

• Door openlijk hun ontwikkeling, successen en mislukkingen te delen, zorgen autodidacten niet alleen voor waardevolle leermomenten voor zichzelf, maar inspireren zij ook andere kunstenaars om nieuwe technieken en inzichten te ontdekken.

• In een tijd waarin zichtbaarheid en persoonlijke verhalen een belangrijke rol spelen bij kunstpromotie, kan de open leerhouding van autodidactische kunstenaars bijdragen aan een sterkere verbinding met publiek en potentiële kopers.

De kracht van levenslang leren

Binnen de kunstwereld bestaat soms het idee dat een formele opleiding noodzakelijk is om serieus genomen te worden. Hoewel een opleiding natuurlijk veel voordelen kan bieden, is zij zeker niet de enige route naar artistieke ontwikkeling.

Veel kunstenaars hebben zichzelf grotendeels ontwikkeld door nieuwsgierigheid, oefening en een voortdurende zoektocht naar kennis. Deze autodidactische kunstenaars kenmerken zich vaak door een grote bereidheid om te leren. Zij wachten niet tot iemand hen vertelt wat zij moeten doen, maar gaan zelf op onderzoek uit.

Een boek, een tentoonstelling, een online video, een gesprek met een collega-kunstenaar of zelfs een mislukte schildering kan voor hen een bron van nieuwe inzichten zijn. Hun leerproces stopt nooit.

Waarom die nieuwsgierigheid juist zo waardevol is

Nieuwsgierigheid is een van de krachtigste eigenschappen die een kunstenaar kan bezitten. Wie echt nieuwsgierig blijft, blijft maar vragen stellen. Hoe werkt een bepaalde techniek? Waarom roept een kunstwerk een bepaalde emotie op? Welke materialen kunnen nieuwe mogelijkheden bieden?

Autodidactische kunstenaars kijken vaak met een open blik naar de wereld. Zij zien overal kansen om kennis op te doen. Daardoor ontwikkelen zij regelmatig onverwachte combinaties van technieken, stijlen en ideeën.

Juist omdat zij niet altijd binnen wat vastere kaders zijn opgeleid, voelen zij zich soms vrijer om te experimenteren. Dat betekent niet dat alles direct succesvol is. Integendeel. Experimenteren brengt fouten met zich mee. Maar juist in die fouten schuilen vaak ook de belangrijkste lessen.

Het verhaal van Ruben

Ruben had altijd graag getekend, maar hij had nooit een kunstopleiding gevolgd. Wanneer hij kunstbeurzen bezocht, voelde hij zich soms onzeker tussen kunstenaars met indrukwekkende diploma's en professionele cv's.

Toch besloot hij zijn nieuwsgierigheid te volgen. Iedere week probeerde hij iets nieuws. De ene keer experimenteerde hij met aquarel, de andere keer met houtskool of digitale illustratie.

Op sociale media begon hij niet alleen zijn mooiste werken te tonen, maar ook zijn mislukkingen. Hij liet zien welke experimenten niet werkten en welke lessen hij daaruit had gehaald.

Aanvankelijk vond hij dat spannend. Hij was bang dat mensen hem onprofessioneel zouden vinden. Het tegenovergestelde gebeurde.

Volgers waardeerden zijn openheid. Andere kunstenaars herkenden hun eigen worstelingen in zijn verhalen. Er ontstonden gesprekken over technieken, materialen en creatieve uitdagingen.

Na verloop van tijd groeide niet alleen zijn technische vaardigheid, maar ook zijn netwerk. Mensen volgden zijn ontwikkeling en voelden zich betrokken bij zijn artistieke reis.

Ruben ontdekte dat zijn leerproces zelf een bron van waarde was geworden.

Leren van successen én mislukkingen

Veel kunstenaars tonen vooral hun beste werk. Dat is heel begrijpelijk. Toch kunnen ook mislukkingen bijzonder leerzaam zijn.

Wanneer kunstenaars open zijn over wat niet werkte, maken zij het creatieve proces zichtbaar. Dat helpt anderen om vergelijkbare fouten te vermijden of juist nieuwe mogelijkheden te ontdekken.

Bovendien laat het zien dat artistieke ontwikkeling geen rechte lijn is. Achter elk geslaagd kunstwerk gaan vaak tientallen experimenten schuil die minder succesvol waren.

Autodidactische kunstenaars begrijpen vaak intuïtief dat fouten geen eindpunt zijn, maar een onderdeel van het leerproces. Daardoor durven zij nieuwe wegen te verkennen.

De waarde van zichtbaarheid

In de huidige kunstwereld speelt zichtbaarheid een belangrijke rol. Verzamelaars en kunstliefhebbers kopen niet alleen een kunstwerk, maar vaak ook het verhaal achter de maker.

Autodidactische kunstenaars hebben hier een bijzondere kans. Hun leerproces vormt namelijk een authentiek verhaal dat mensen kunnen volgen.

Door ervaringen, ontdekkingen en uitdagingen te delen, ontstaat betrokkenheid. Mensen zien niet alleen het eindresultaat, maar ook de toewijding, nieuwsgierigheid en groei die eraan voorafgaan. Dat maakt een kunstenaar menselijk en herkenbaar.

Wat kunstenaars hiervan kunnen leren

Of je nu een academische opleiding hebt gevolgd of volledig autodidact bent, de belangrijkste les blijft hetzelfde: blijf leren.

De kunstwereld verandert voortdurend. Nieuwe technieken, materialen, technologieën en inzichten bieden steeds weer nieuwe mogelijkheden. Kunst is vaak aan mode en hypes onderheving. Voorkeuren van klanten komen en gaan, vaak onder invloed van social media, in een zeer hoog tempo.

Wie nieuwsgierig blijft, ontwikkelt zich. Wie ervaringen deelt, inspireert anderen. En wie bereid is om zowel successen als mislukkingen zichtbaar te maken, bouwt aan geloofwaardigheid en verbinding.

Uiteindelijk zijn het niet alleen diploma's die een kunstenaar verder brengen, maar vooral de bereidheid om daarna te blijven ontdekken. Wil je als kunstenaar meer leren over de achtergronden van kunstmarketing, zichtbaarheid en het opbouwen van een betrokken publiek? Verdiep je dan in de principes van promotie, storytelling en relatieopbouw. Juist door jouw artistieke ontwikkeling zichtbaar te maken, kun je meer mensen bereiken, meer waardering ontvangen en de verkoop van je kunst versterken.

 

Hoe veel autodidactische kunstenaars hun leerproces omzetten in een krachtig verhaal

Veel kunstenaars denken dat een formele opleiding noodzakelijk is om succesvol te worden. Dit artikel laat zien waarom nieuwsgierigheid, doorzettingsvermogen en een open leerhouding minstens zo belangrijk kunnen zijn. Ontdek hoe autodidactische kunstenaars groeien door te experimenteren, fouten te omarmen en hun ervaringen te delen met anderen. Lees hoe hun leerproces niet alleen leidt tot artistieke ontwikkeling, maar ook kan bijdragen aan meer zichtbaarheid, een sterker publiek en betere kansen op het gebied van promotie en verkoop van kunst. Een inspirerende kijk op levenslang leren binnen de kunstwereld.

Ben je het daarmee eens? Of juist helemaal niet? Allebei hoogst interessant dus laat het weten.

https://mainportart.blogspot.com/2026/07/autodidactische-kunstenaars.html

Waarom het gekwaak van kikkers kunstenaars meer kan leren dan je denkt

De bron voor inspiratie kan overal zitten

Zelfs in een borrelend en stinkend slootje zit inspiratie

Wat als het geluid dat anderen als storend ervaren juist een onverwachte bron van inspiratie is? Ontdek hoe het ritmische gekwaak van kikkers je anders laat kijken naar kunst, creativiteit, natuur, compositie en zelfs de manier waarop je jouw werk kunt promoten en verkopen.

Eén bonk artistieke inspiratie

In het kort:

• Kunstenaars zoeken inspiratie vaak in beelden, maar ook geluiden uit de natuur kunnen het denkproces verdiepen; het ritmische gekwaak van kikkers laat zien hoe herhaling, intuïtie en natuurlijke patronen kunnen bijdragen aan een vrijere en persoonlijkere artistieke ontwikkeling.

• De kikker staat al eeuwenlang symbool voor verandering, groei, vruchtbaarheid en de overgang tussen verschillende werelden; daardoor vormt dit dier een verrassende inspiratiebron voor kunstenaars die thema's als identiteit, emotie, natuur en persoonlijke ontwikkeling willen onderzoeken.

• Net zoals sommige mensen genieten van een kikkerkoor terwijl anderen zich eraan ergeren, roept kunst uiteenlopende reacties op; Juist die subjectiviteit maakt duidelijk dat authenticiteit uiteindelijk belangrijker is dan het streven naar algemene waardering.

Wanneer natuur onverwacht een leermeester wordt

Naast veel ateliers liggen soms plekken die nauwelijks aandacht krijgt. Een slootje met wat waterplanten, wat modder, drijvende bladeren, als dan niet verrot van vorig najaar en natuurlijk een luidruchtig koor van kikkers. Voor de één vormt het kikkerkoor een storende geluidsbron. Voor de ander is het juist een levendig decor. Een podium waarop de natuur ongevraagd haar eigen voorstelling aan het opvoeren is.

Voor kunstenaars kan zo'n omgeving verrassend waardevol zijn. Niet alleen vanwege het landschap, maar juist vanwege alles wat zich afspeelt buiten het directe blikveld. Geluiden, bewegingen en ritmes beïnvloeden ongemerkt de manier waarop iemand waarneemt, denkt en uiteindelijk zijn of haar werk mede vormgeeft.

Wie goed luistert, ontdekt dat het kikkerkoor je meer vertelt dan alleen het kale feit dat de lente nu echt wel begonnen is.

Geluid als inspiratiebron

Veel kunstenaars werken graag met muziek op de achtergrond. Anderen geven juist de voorkeur aan de geluiden van de natuur. Vogels, wind, regen of kwakende kikkers vormen geen afleiding, maar een levende omgeving die voortdurend verandert.

Het bijzondere van een kikkerkoor is het ritme. Het is geen strak patroon, maar wel een voortdurend samenspel van herhaling, variatie en onverwachte accenten. Dat lijkt sterk op wat veel kunstenaars proberen te bereiken in een schilderij of beeldhouwwerk.

Ook binnen een compositie spelen herhaling en afwisseling immers een belangrijke rol. Terugkerende vormen zorgen voor samenhang, terwijl kleine afwijkingen spanning en dynamiek toevoegen. Op die manier ontstaat een levendig geheel dat nooit volledig voorspelbaar is.

De kikker als eeuwenoud symbool

Door de geschiedenis heen heeft de kikker in veel culturen een bijzondere betekenis gekregen. Omdat hij zowel in het water als op het land leeft, wordt hij vaak gezien als een wezen dat verschillende werelden met elkaar verbindt.

Daarom staat de kikker regelmatig symbool voor:

• Verandering; Een opgroeiende kikker verandert nog wel eens van vorm;

• Wedergeboorte; Elk voorjaar herhaalt het patroon zich weer;

• Groei; Van drijvend ei tot grote groeie schreeuwende kikker;

• Vruchtbaarheid; Voor wie de kikker is het water in actie ziet spreekt dit vanzelf

• Aanpassingsvermogen; Wat zich in de natuur niet aan weet te passen zal op den duur onherroepelijk verdwijnen

De overgang tussen het bewuste en het onbewuste.

Voor kunstenaars die zich bezighouden met persoonlijke ontwikkeling, identiteit of maatschappelijke veranderingen vormt deze symboliek van de kikker een rijke voedingsbodem voor nieuwe ideeën.

Niet voor niets verschijnen allerlei soorten amfibieën regelmatig in symbolistische, surrealistische en hedendaagse kunstwerken.

Een verhaal uit het atelier

Schilder Jenny had haar atelier gevestigd aan de rand van een natuurgebied. Iedere lente begon hetzelfde ritueel. Zodra de temperatuur begon te stijgen, vulde een luid kikkerkoor de ruimte.

Aanvankelijk ergerde zij zich eraan. Ze sloot de ramen en zette harde muziek op om het geluid te overstemmen. Toch bleef het gekwaak doordringen.

Op een dag besloot ze het niet langer te bestrijden. Ze zette alle ramen open, pakte een groot doek en begon zonder schets te schilderen. Ze liet haar penseel reageren op het ritme dat ze hoorde.

Het resultaat verraste haar. De penseelstreken werden losser. De kleuren krachtiger. De composities kregen een natuurlijk verloop dat ze eerder nooit had bereikt.

Tijdens een expositie vroeg een bezoeker waarom haar nieuwe werk zoveel meer beweging leek te bevatten.

Jenny glimlachte.

"Dat zijn de kikkers."

Vanaf dat moment beschouwde zij het kikkerkoor niet langer als lawaai, maar als een onzichtbare, waardevolle medekunstenaar.

Kunst is net zo subjectief als natuurgeluid

Het bijzondere aan kikkergeluiden is dat mensen er totaal verschillend op reageren.

Sommigen ervaren rust.

Anderen horen alleen maar veel herrie.

Precies hetzelfde gebeurt bij beeldende kunst.

Waar de één ontroerd raakt door een abstract schilderij, ziet een ander slechts willekeurige verfstreken. Wat voor de één een vanzelfsprekend meesterwerk vormt, is voor de ander nauwelijks te begrijpen.

Deze tegenstelling leert kunstenaars een zeer belangrijke les

Succes ontstaat niet doordat iedereen hetzelfde mooi vindt. Succes ontstaat wanneer een werk een eigen karakter bezit en de juiste mensen weet te raken.

Juist de uiteenlopende reacties bevestigen dat kunst leeft.

De seizoenen van het kunstenaarschap

Het eerste kikkerconcert van het voorjaar markeert ook een nieuw seizoen.

Veel kunstenaars herkennen dat hun werkritme samenhangt met de natuur. In de winter overheersen reflectie, studie en voorbereiding. Zodra de dagen langer worden, ontstaat vaak meer behoefte aan experiment, beweging en nieuwe projecten.

De natuur herinnert ons eraan dat de ontwikkeling nooit volledig volgens een rechte lijn verloopt.

Rust en activiteit wisselen elkaar voortdurend af.

Dat besef kan je helpen te leren om minder streng voor jezelf te zijn tijdens perioden waarin inspiratie tijdelijk niet zo overvloedig aanwezig lijkt.

Van geluid naar beeld

Het kikkerkoor kan zelfs dienen als uitgangspunt voor een compleet artistiek onderzoek.

Denk bijvoorbeeld aan het omzetten van geluidsgolven in lijnen, kleurvlakken of texturen. Of onderzoek hoe ritme zichtbaar kan worden gemaakt met herhalende vormen en variërende penseelstreken.

Ook conceptueel biedt dit interessante mogelijkheden en geeft het interessante motivatie voor onderzoek en experimenteren. Lastige vragen staan aan de wieg van dat onderzoek. Want wanneer verandert geluid in sfeer? Wanneer wordt chaos ervaren als harmonie? Hoe totaal verschillend beleven mensen precies dezelfde werkelijkheid?

Dergelijke vragen sluiten aan bij uiteenlopende kunststromingen waarin beleving, natuur en experiment centraal staan.

Een waardevolle les van een groene leermeester voor iedere kunstenaar

Misschien ligt de grootste inspiratie niet eens in de symboliek van de kikker, maar in zijn gedrag.

Een kikker probeert niemand te imponeren.

Hij maakt geluid omdat dat zijn natuur is. Daar is hij kikker voor.

Ook sterke kunst ontstaat zelden vanuit de wens om iedereen volledig tevreden te stellen. Die kunst ontstaat uit een innerlijke noodzaak om iets zichtbaar te maken wat anders verborgen zou blijven.

Juist daarin schuilt de kracht van authentiek kunstenaarschap.

Wie leert luisteren naar de wereld om zich heen, ontdekt dat inspiratie zich vaak aandient op de meest onverwachte plekken. Soms zelfs in een modderige sloot naast het atelier.

Kortom, wil je niet alleen betere kunst maken, maar ook ontdekken hoe je jouw inspiratie, verhaal en artistieke visie kunt omzetten in meer zichtbaarheid, meer waardering en uiteindelijk meer verkoop? Verdiep je dan verder in marketing, promotie en kunstenaarschap. Hoe beter je jouw eigen verhaal begrijpt én weet te vertellen, hoe groter de kans dat verzamelaars en liefhebbers zich ermee verbinden.

 

Meer doen is niet altijd beter. Waarom slimme kunstenaars weten wanneer ze moeten stoppen

Maak kennis met een principe dat je kijk op werken, promoten en verkopen blijvend kan veranderen

Meer betekent niet automatisch beter

 Meer doen is niet altijd beter  [AI gegenereerde Illustratie]

Ben jij een nieuwsgierige en leergierige kunstenaar die voortdurend zoekt naar manieren om je werk verder te ontwikkelen én meer mensen te bereiken? Dan is het tijd om kennis te maken met een principe dat je kijk op werken, promoten en verkopen blijvend kan veranderen. Ontdek waarom méér schilderijen maken, méér uren in het atelier doorbrengen of méér promotie voeren niet automatisch leidt tot méér succes. Juist door slimmer met je tijd en energie om te gaan, kun je als kunstenaar verder groeien en tegelijkertijd meer plezier beleven aan je vak.

In het kort:

• De wet van de verminderende meeropbrengst laat zien dat extra tijd, energie of geld na een bepaald omslagpunt steeds minder resultaat oplevert. Voor kunstenaars betekent dit dat focus en bewuste keuzes uiteindelijk meer opleveren dan eindeloos doorgaan.

• Niet alleen tijdens het schilderen, maar ook bij promotie, exposities, netwerken en het onderhouden van contacten ontstaat een moment waarop extra inspanning nauwelijks nog effect heeft. Wie dat leert herkennen, voorkomt uitputting en werkt duurzamer.

• Succesvolle kunstenaars onderscheiden zich doordat zij weten wanneer zij moeten doorgaan, wanneer zij moeten pauzeren en wanneer zij beter een andere strategie kunnen kiezen. Dat levert vaak meer kwaliteit, meer inspiratie en uiteindelijk ook meer verkoopkansen op.

Waarom deze economische wet ook voor kunstenaars geldt

De wet van de verminderende meeropbrengst is oorspronkelijk afkomstig uit de economie. Daar beschrijft zij het verschijnsel dat iedere extra investering uiteindelijk steeds minder extra opbrengst oplevert. In eerste instantie stijgt het rendement snel, maar na verloop van tijd vlakt die groei af. Uiteindelijk kan zelfs het tegenovergestelde gebeuren: meer investeren levert juist minder resultaat op.

Hoewel dit principe vaak wordt toegepast binnen bedrijven en financiële vraagstukken, is het minstens zo relevant voor kunstenaars. Ook een kunstenaar beschikt immers over beperkte middelen. Tijd is eindig. Energie raakt op. Financiële middelen zijn niet onbeperkt beschikbaar. Bovendien vraagt artistieke ontwikkeling voortdurend om een evenwicht tussen inspiratie, vakmanschap en ondernemerschap.

Juist daarom is deze wet zo waardevol. Zij helpt je bewuster omgaan met alles wat je doet.

De valkuil van eindeloos doorwerken

Veel kunstenaars zijn perfectionisten. Zij willen een werk blijven verbeteren totdat werkelijk ieder detail klopt. Dat streven naar kwaliteit is bewonderenswaardig, maar kent ook een keerzijde.

Na tientallen kleine aanpassingen is het verschil vaak nauwelijks nog zichtbaar voor de buitenwereld. De kunstenaar zelf ziet misschien nog kleine verbeterpunten, terwijl de potentiële koper allang overtuigd was.

Hetzelfde gebeurt bij technische vaardigheden. Natuurlijk is oefenen belangrijk. Maar na een intensieve werkdag neemt de concentratie af. Beslissingen worden minder zorgvuldig genomen en fouten sluipen gemakkelijker naar binnen.

Op dat moment levert nog een extra uur werken vaak minder op dan een frisse blik de volgende ochtend.

Soms is stoppen juist de meest professionele beslissing die je kunt nemen.

Kunst ontstaat niet alleen in het atelier. Veel kunstenaars denken dat productiviteit uitsluitend wordt bepaald door het aantal uren achter de ezel, de werkbank of de kleitafel.

Maar artistieke ontwikkeling vindt ook plaats tijdens een wandeling door de natuur, een museumbezoek, een goed gesprek of het lezen van een inspirerend boek. Nieuwe indrukken zorgen voor nieuwe verbindingen in je denken.

Wie zichzelf geen ruimte geeft om nieuwe ervaringen op te doen, loopt het risico steeds dezelfde oplossingen te blijven gebruiken.

Rust is daarom geen verloren tijd.

Rust vormt vaak de voedingsbodem waarop nieuwe ideeën kunnen ontstaan.

Wanneer marketing steeds minder oplevert

Dezelfde wet geldt voor kunstmarketing.

Een professionele website levert meestal veel op. Een nieuwsbrief zorgt voor contact met geïnteresseerden. Regelmatig zichtbaar zijn op sociale media helpt om bekendheid op te bouwen.

Maar daarna verandert het beeld.

Iedere dag vijf berichten plaatsen betekent niet automatisch vijf keer zoveel bereik.

Iedere week een nieuwsbrief versturen leidt niet vanzelf tot meer verkopen.

Iedere advertentie levert minder nieuwe bezoekers op dan de vorige.

Veel kunstenaars reageren daarop door nóg harder te werken. Zij plaatsen nóg meer berichten, sturen nóg meer e-mails en investeren nóg meer geld in advertenties.

Vaak ligt de oplossing echter ergens anders.

Misschien moet de boodschap veranderen.

Misschien is een nieuwe doelgroep interessanter.

Misschien is persoonlijk contact tijdens een expositie veel waardevoller dan honderd extra berichten op sociale media.

Kwaliteit wint uiteindelijk bijna altijd van kwantiteit.

Ook exposeren kent een optimaal punt

Veel kunstenaars denken dat zoveel mogelijk exposeren automatisch leidt tot meer verkopen.

In werkelijkheid is ook hier sprake van afnemend rendement.

De eerste exposities leveren vaak veel nieuwe contacten op. Daarna begin je steeds vaker dezelfde bezoekers tegen te komen.

Dat hoeft geen probleem te zijn, maar het kan wel betekenen dat het tijd wordt om nieuwe locaties te zoeken, andere samenwerkingen aan te gaan of een ander publiek aan te spreken.

Niet iedere expositie hoeft bovendien groot te zijn.

Een kleinschalige presentatie met veel persoonlijke gesprekken levert regelmatig meer verkopen op dan een grote tentoonstelling waar nauwelijks tijd is voor individuele aandacht.

De kracht van focus

Veel kunstenaars hebben tientallen ideeën tegelijk.

• Nieuwe series.

• Nieuwe technieken.

• Nieuwe materialen.

• Workshops.

• Open atelierdagen.

• Sociale media.

• Nieuwsbrieven.

• Video's.

• Podcasts.

• Samenwerkingen.

Hoewel al deze plannen waardevol kunnen zijn, ontstaat gemakkelijk versnippering.

Iedere activiteit kost immers aandacht.

Wanneer je energie over te veel projecten verdeelt, krijgt niets nog de volledige aandacht die het verdient.

Succes ontstaat vaak doordat een beperkt aantal activiteiten heel goed wordt uitgevoerd.

Focus is daarom geen beperking.

Focus vergroot juist de kwaliteit van alles wat je doet.

Een verhaal over kunstenaar Thomas

Thomas was een succesvolle landschapschilder. Zijn agenda stond vol met plannen.

Hij wilde twintig nieuwe schilderijen maken voor een expositie.

Daarnaast werkte hij aan een nieuwe website.

Iedere dag plaatste hij meerdere berichten op sociale media.

Hij schreef nieuwsbrieven, bezocht netwerkbijeenkomsten en nam deel aan kunstmarkten.

Aanvankelijk leek alles voorspoedig te verlopen.

Na enkele maanden begon de vermoeidheid toe te slaan.

Zijn schilderijen werden minder spontaan.

Zijn enthousiasme verdween langzaam.

Tijdens een open atelier sprak hij met een oudere verzamelaar.

"Waarom schilder je tegenwoordig zo gehaast?" vroeg de man.

Thomas schrok.

Hij had zelf niet eens gemerkt dat zijn werk was veranderd.

Die avond besloot hij alles op papier te zetten.

Hij ontdekte dat slechts drie activiteiten verantwoordelijk waren voor bijna al zijn verkopen: Dat wareb zijn open atelier, zijn nieuwsbrief en persoonlijke aanbevelingen van bestaande verzamelaars.

De rest kostte vooral veel tijd maar leverde gaan rendement

Thomas besloot bewust te schrappen.

Hij ging minder tijd steken in sociale media.

Hij deed minder losse projecten.

Hij stak meer aandacht in nieuwe schilderijen.

Hij nam meer tijd voor gesprekken met bezoekers.

Een jaar later verkocht hij meer werk dan ooit tevoren.

En dat kwam niet niet doordat hij harder werkte.

Het kwam doordat iedere inspanning doelgerichter werd ingezet.

Stel jezelf regelmatig deze vragen

De wet van de verminderende meeropbrengst wordt pas echt waardevol wanneer je haar bewust leert toepassen.

Vraag jezelf daarom regelmatig af:

• Levert deze activiteit nog duidelijk resultaat op?

• Word ik hier energieker of juist vermoeider van?

• Is dit nog de beste manier om mijn doel te bereiken?

• Kan ik hetzelfde resultaat behalen met minder inspanning?

• Welke twintig procent van mijn activiteiten zorgt voor tachtig procent van mijn resultaten?

• Waar verlies ik ongemerkt veel tijd zonder dat het iets oplevert?

Door deze vragen eerlijk te beantwoorden ontstaat vanzelf meer overzicht.

Stoppen is geen teken van zwakte

Veel kunstenaars vinden stoppen met een lopend project moeilijk.

Ze willen afmaken waar ze aan begonnen zijn.

Ze willen geen kansen missen.

Ze willen laten zien dat zij doorzettingsvermogen hebben.

Maar verstandig stoppen is iets anders dan opgeven.

Stoppen betekent soms dat je ruimte maakt voor iets dat veel beter bij je past.

Dat kan een nieuwe techniek zijn.

Een andere doelgroep.

Een andere galerie.

Een nieuw prijsbeleid.

Of simpelweg een paar dagen afstand nemen om met frisse ogen terug te keren.

Juist ervaren kunstenaars begrijpen dat duurzame groei belangrijker is dan tijdelijke drukte.

Werk slimmer aan een succesvolle kunstenaarspraktijk

De grootste kunstenaars uit de geschiedenis stonden niet bekend omdat zij voortdurend harder werkten dan iedereen om hen heen.

Zij stonden bekend omdat zij bewuste keuzes maakten.

Zij wisten wat belangrijk was.

Zij durfden werk los te laten.

Zij namen afstand wanneer dat nodig was.

En zij besteedden hun kostbare tijd aan datgene waarin zij werkelijk het verschil konden maken.

Ook voor hedendaagse kunstenaars geldt dat succes niet ontstaat door altijd meer te doen.

Succes ontstaat door bewust te kiezen waar je tijd, aandacht en energie de grootste waarde toevoegen.

Wetenschappelijke benadering: 

De eerste wet van Gossen, ook bekend als de wet van het afnemende marginale nut, beschrijft dat de extra tevredenheid die iemand ervaart bij iedere aanvullende aankoop van hetzelfde product of dezelfde dienst geleidelijk kleiner wordt. Met andere woorden: de eerste eenheid levert doorgaans de meeste voldoening op, terwijl elke volgende eenheid minder extra waarde toevoegt. Deze economische theorie werd ontwikkeld door de Duitse econoom Hermann Heinrich Gossen en vormde een belangrijk fundament voor de zogenaamde marginalistische benadering binnen de economie. Sindsdien onderzoeken economen hoe de waarde en het nut veranderen wanneer consumenten steeds één extra eenheid van een goed of dienst gebruiken.

Samenvattend:

Wie deze wet van de verminderende meeropbrengst leert herkennen, ontwikkelt niet alleen een sterkere kunstenaarspraktijk, maar ook meer rust, meer inspiratie en meer ruimte om duurzaam aan een succesvolle artistieke toekomst te bouwen. Kortom, wil je niet alleen betere kunst ontwikkelen, maar ook meer inzicht krijgen in kunstmarketing, promotie, prijsstrategie en het opbouwen van een sterke relatie met verzamelaars? Blijf je verdiepen in de zakelijke kant van het kunstenaarschap. Juist de combinatie van artistieke kwaliteit en slim ondernemerschap vergroot je zichtbaarheid, versterkt je reputatie en helpt je om op een duurzame manier meer kunst te verkopen.

De bloemengeur spat van deze Mijdrechtse expositie af

MIJDRECHT – De komende twee maanden hangt er een heerlijke zomerse sfeer in de galerie van KunstRondeVenen. Van 2 juli tot en met 31 juli staat alles in het teken van de expositie ‘Bloemen’, waarna bezoekers in augustus kunnen genieten van een inspirerende Zomerexpositie. De galerie is gevestigd aan winkelcentrum De Lindeboom 7 in Mijdrecht en is geopend op donderdag, vrijdag en zaterdag van 12.00 tot 16.00 uur. De deelnemende kunstenaars zijn afwisselend aanwezig als gastvrouw of gastheer. Bovendien geven enkele kunstenaars live demonstraties, zodat bezoekers een kijkje kunnen nemen in het creatieve proces achter de kunstwerken.

Veelzijdige presentatie

Aan de bloemenexpositie in juli nemen zestien kunstenaars deel. Het belooft een kleurrijke en gevarieerde tentoonstelling te worden met werk van tekenaars, schilders, beeldhouwers, een fotograaf en een keramiste. Van iedere kunstenaar zijn één of twee werken te bewonderen. Dertien deelnemers presenteren twee-dimensionaal werk.

Akke Feddema schildert in een verfijnde, realistische stijl en zal, wanneer zij aanwezig is, live aan haar schilderijen werken. Ook Annette Bosma brengt met haar figuratieve schilderijen herkenbare en sfeervolle beelden tot leven. Gitta ten Hoope verrast bezoekers met haar bijzondere botanische pentekeningen en aquarellen, waarin bloemen en planten tot in detail worden vastgelegd. Aldert Kamp toont zijn geliefde schilderijen, waaronder fraaie landschappen vol bloemenpracht. Gosia Kowalska heeft tijdens eerdere exposities al indruk gemaakt met haar kleurrijke bloemstillevens en laat opnieuw zien hoe rijk en levendig dit onderwerp kan zijn.

Marian Blokker brengt haar kenmerkende abstracte werk en collages mee, terwijl Marie-Thérèse Willekens schilderijen exposeert die zij buiten, midden in de natuur, heeft gemaakt. Haar liefde voor het schilderen en plein air is duidelijk zichtbaar in haar werk. Mieke Schenk, bekend om haar landschappen in olieverf, verrast bezoekers ditmaal ook met twee sfeervolle aquarellen. Ria Blommaert laat haar veelzijdigheid zien met werken die variëren van figuratief tot abstract, uitgevoerd in verschillende technieken. Voor deze expositie heeft zij gekozen voor haar aquarelwerk.

Daarnaast zijn er realistische bloemenschilderijen te zien van Henny Woud en Willy van Loon. Willy toont bovendien een stijlvol gestileerd boeket. Frank de Leeuw is de enige fotograaf binnen deze tentoonstelling. Met zijn modelfotografie laat hij zien hoe prachtig mensen en bloemen samen kunnen komen; Zijn modellen worden door hem altijd letterlijk en figuurlijk in de bloemetjes gezet.

3-Dimensionaal

Ook liefhebbers van driedimensionale kunst komen volop aan hun trekken. Eric van Wattum, van wie werk in particuliere collecties over de hele wereld te vinden is, presenteert zijn indrukwekkende metalen sculpturen. Maaike van Rijn, die eerder dit jaar veel bewondering oogstte met haar kleurrijke abstracte schilderijen, laat nu zien dat haar creativiteit zich ook uitstekend vertaalt naar ruimtelijk werk.

Keramiste Susanne Gasser, die in juni al succesvol in de galerie exposeerde, toont opnieuw haar vakmanschap met werken die aansluiten bij het thema bloemen. Ook Paul Kassing werkt met klei. Speciaal voor deze tentoonstelling maakte hij gestileerde beelden waarin de bijzondere verbondenheid tussen mens en plant centraal staat. Samen zorgen deze kunstenaars voor een vrolijke, verrassende en inspirerende expositie. Een explosie van creativiteit die qua stijl helemaal past bij deze zomer.

 

Expositie ‘Summer Orange and Blue’

MIJDRECHT – Zin in een kleurrijk uitje deze zomer? Van 18 tot en met 27 juni presenteren kunstenares Henny Woud en haar cursisten Brynn Gunterman en Nicole Pauw hun schilderijen tijdens de expositie Summer Orange and Blue in de galerie van KunstRondeVenen, gevestigd in winkelcentrum De Lindeboom 7 in Mijdrecht. De tentoonstelling wordt aangevuld met bijzonder keramisch werk van Susanne Gasser. Bezoekers zijn van harte welkom op donderdag, vrijdag en zaterdag tussen 12.00 en 16.00 uur.

Susanne Gasser

Creativiteit als rode draad

Al zestien jaar geeft Henny Woud schilderlessen en culinaire workshops vanuit haar Open Atelier in Waverveen. Haar liefde voor tekenen en schilderen ontstond al op jonge leeftijd. Op de middelbare school kreeg zij zelfs het advies om naar de kunstacademie te gaan. Hoewel die droom destijds niet direct uitkwam, bleef haar passie voor kunst altijd aanwezig.

Later kreeg Henny alsnog de kans om zich verder te ontwikkelen. Ze volgde studies in kunstgeschiedenis en architectuur en kreeg les van gerenommeerde kunstenaars. Daarnaast bezocht ze talloze musea in binnen- en buitenland, waar zij inspiratie opdeed voor haar eigen werk.

Kunst met een indrukwekkend verhaal

Een bijzonder hoogtepunt in haar carrière was de opdracht voor het Stedelijk Museum in Amsterdam. Samen met haar dochter maakte Henny de kunstwand Het geZicht op de bouw. Deze indrukwekkende wand van maar liefst twintig meter lang en tweeënhalve meter hoog diende bijna drie jaar als kleurrijke afscheiding tussen het museum en de Van Baerlestraat.

In de afgelopen jaren exposeerde Henny niet alleen in Nederland, maar ook in diverse grote Europese steden en zelfs in Dubai. Naast haar vrije werk en opdrachten verzorgt zij nog altijd teken- en schilderlessen op maandag en culinaire workshops op aanvraag.

Keramiek met karakter

De keramische werken op de tentoonstelling zijn afkomstig van Susanne Gasser. Zij verhuisde ruim vijfendertig jaar geleden vanuit de Verenigde Staten naar Nederland en ontdekte hier haar passie voor keramiek. Haar eerste kennismaking met het vak vond plaats tijdens een cursus bij Truus Smilde in Amstelveen. Sindsdien is haar enthousiasme alleen maar gegroeid.

Voor deze expositie maakte Susanne speciaal een serie bijzondere kunstwerken van steengoed. Deze hoogwaardige keramische klei wordt gebakken op temperaturen tussen de 1200 en 1300 graden. Daardoor ontstaat een sterk, duurzaam en vrijwel waterdicht materiaal dat zowel praktisch als artistiek veel mogelijkheden biedt.

Vanuit haar thuisatelier creëert Susanne uiteenlopende objecten waarin vakmanschap en creativiteit samenkomen. Daarnaast helpt zij sinds een jaar mee bij het inrichten van tentoonstellingen in de galerie van KunstRondeVenen.

Ontmoet de kunstenaars

Een extra bijzonder aspect van deze expositie is dat de kunstenaars zelf aanwezig zijn als gastvrouw. Zij vertellen graag meer over hun werk, hun inspiratiebronnen en de technieken die zij gebruiken. Hierdoor krijgt een bezoek aan de tentoonstelling een persoonlijk tintje en ontstaat er ruimte voor leuke gesprekken over kunst.

De toegang is gratis en geheel vrijblijvend. Of je nu een ervaren kunstliefhebber bent of gewoon nieuwsgierig naar lokaal talent, iedereen is van harte welkom om een kijkje te komen nemen.

Meer informatie over de expositie, de kunstenaars en de activiteiten van KunstRondeVenen is te vinden op de website van KunstRondeVenen en via de sociale mediakanalen van de vereniging. Volg ook Instagram voor het laatste nieuws over kunst in De Ronde Venen.

Laat je verrassen door een zomerse mix van schilderkunst en keramiek tijdens Summer Orange and Blue!